MI PELÍCULA FAVORITA
                                the shawshank redemption

Basada en una historia un poco diferente de lo que se esperaría de Stephen King, como el elemento sobrenatural que suele aparecer en el grueso de su obra, el miedo está basado en una situación realista y creíble. 

A cualquiera le da miedo terminar en una situación similar a la de Andy Dufresne (interpretado por Tim Robbins). Terminar en la cárcel pagando por un crimen no cometido no es la más común de las situaciones, sin embargo sabemos que sucede.

La cotidianidad dentro del presidio es un tema que la película trata. ¿Cómo se vé el día a día en el infierno? Al igual que nosotros, los presidiarios también tienen 24 horas en el día. Nuestro día a día no incluye la amenaza de violaciones sistemáticas y golpizas a cargo de la crema y nata del salón de la fama de sociópatas. Probablemente ninguno de nosotros debe lidiar con alguien cuyo propósito en la vida sea el de tornar nuestras vidas en una cloaca.

Pero fuera de la violencia, la película muestra algo con lo que sí podemos identificarnos, y es la necesidad de mantener una mente ocupada. La perspectiva con respecto a la vida es muy distinta cuando cosas como la luz del sol, trabajo o una cerveza fría en un día caluroso son escasas o prácticamente inexistentes.

Algo interesante es como Andy Dufresne logra sacarle provecho a una situación tan miserable, al lograr mejorar ciertas condiciones que permiten que la vida en el presidio sea más tolerable para todos. La película da mucha tela que cortar en la discusión sobre la efectividad del sistema penitenciario para rehabilitar al reo, cuando la tortura por parte de tanto autoridades como de otros reos es pan de cada día, y cuando las condenas son tan largas que una vez cumplidas los reos recién liberados desean volver tras los muros del presidio, por ser esta la única realidad que tiene sentido para ellos. Porque la cárcel es el único lugar donde encajan. Una de las escenas clásicas es cuando Red (interpretado por Morgan Freeman) comparte su punto de vista acerca de la rehabilitación con representantes de la autoridad:

La película también trata el tema sobre cómo la ética y moral de los personajes se ve cuestionada por las circunstancias dentro de la cárcel a lo largo de la condena, y como este lugar puede cambiar por completo a una persona inocente, incluso instarla a delinquir. Si me condenan por un crimen que no cometí, ¿me puedo desquitar con la autoridad? ¿Será cierto eso de que ladrón que roba a ladrón tiene cien años de perdón?

No es de extrañar que The Shawshank Redemption esté presente en multitud de listas de las mejores películas. No es solamente un favorito de la crítica sino que también es una favorita del público, aunque esto no fuese tan evidente en la taquilla en 1994 cuando fue estrenada ni cuando se fue a casa con las manos vacías durante la entrega de premios de la Academia a pesar de las múltiples nominaciones.

Entre las entregas de premios, desde hace ya casi 20 años, hemos visto y olvidado por completo montones de películas nominadas y muchas ganadoras. Sin embargo es difícil que Shawshankcaiga en el olvido. Muestra de esto es el lugar número 10 en esta comunidad, donde muchos usuarios ni siquiera habían nacido cuando la película se estrenó. Incluso muestra de esto es la sensación que tuve de ”¿por qué demonios nunca antes había visto esta película?”.

               

El cine Moderno

Las características que definen al cine moderno son el cambio en la estructura del lenguaje cinematográfico y la forma de hacer cine. La modernización del equipo, las cameras, y con películas más sensibles, los directores o realizadores pudieron salir a las calles a filmar. Antes las peliculas clasicas eran hechas adentro de los grandes estudios, salian mucho más caras y tenian la característica de no presentar al espectador la realidad. Por eso el neo-realismo busca trabajar en locaciones, con no actores o actores no profesionales, y así lograr una aproximación mas verdadera a la realidad. El cine francés también trajo la Nouvelle Vague con sus directores más conocidos como Alan Resnais, Godard, Truffaut, ellos buscaban a partir de los desarrollos en el neo-realismo ir más al fondo de lo que se estaba planteando. Filmaban en las calles, sin guion, con algunos actores, no respectaban ninguna de las reglas de lenguaje, rodaje o estructura establecida por el cine clasico o hollywood, y también mezclaban escenas de documentales con escenas de ficción. El estilo queda más libre

 

LAS SALAS DE PROYECCIÓN 

·         Una sala de proyección, sala de cine, o simplemente cine es un espacio aconcidionado para la exhibición depelículas compuesto por lo general de una pantalla de proyección y un patio de butacas.

·         Las salas de cine a lo largo de la historia se han ido transformando en función de los avances tecnológicos, los cambios en los hábitos de consumo del público y como respuesta a formas de ocio alternativas. Por ello a lo largo de la historia se ha pasado de pantallas casi cuadradas a pantallas más panorámicas, para competir con latelevisión. De cines de una sola sala a cines con varias salas ofreciendo una mayor oferta. Inclusión de complejos de multicines en centros comerciales como parte de una oferta conjunta de ocio y consumo, etc.

·         La intención es facilitar y simplificar el acceso a la oferta cinematográfica así como una mejora constante en las condiciones de exhibición que mantengan el hecho diferenciador de las salas respecto al visionado en televisión, cada vez más competitivo.

                                        LAS 10 PELÍCULAS MAS
                  TAQUILLERAS DE LA HISTORIA DEL CINE

1. Avatar (U.S 2.779.600), Estrenada el 18 de Diciembre de 2009 y dirigida por James Cameron, tan solo con un mes después de su estreno mundial avatar fue la primer película en supera la barrera de los 2.000 millones de dólares en recaudación

2. Titanic (U.S 1.843.200), Estrenada en 1997 y dirigida por el aclamado director James Cameron. La película trata sobre el hundimiento del transatlántico RMS titanic, ganadora de 11 premios Oscar y fue la película más vista y que más fondos recaudo. Siendo superada después de 12 años por Avatar quien es dirigida por el mismo director. En el 2012 se estrenara en 3D coincidencialmente el próximo año el trasatlántico estará cumpliendo 100 años de su hundimiento.

3. El Señor de los Anillos “el retorno del Rey” (U.S 1.119.100), La tercera de la trilogía estrenada en 2003, dirigida por Peter Jackson y basada en la obra de J.R. R Tolkien, convirtiéndose en la tercer película en obtener 11 premios Oscar (Ben-Hur, Titanic), considerada como una de las películas más grandes y exitosas de la historia del cine.

4. Piratas del Caribe: “el cofre del hombre muerto” (U.S 1.066.200), Estrenada el 24 de Junio de 2006 y dirigida por Gore Verbinski, siendo la segunda secuela de esta película producida por la Walt Disney. Ganadora de varios premios Oscar.

5. Toy story 3 (U.S 1.063.100). La última película de la trilogía estrenada el 17 de Junio de 2010, dirigida por Lee Unkrich, producida por la Walt Disney y ganadora al Oscar como mejor película animada, siendo la película animada número uno en recaudar más fondos.

6. Alicia en el país de las maravillas (U.S 1.024.300). Una película de fantasía sacada de los libros las aventuras de Alicia por Lewis Carrol, estrenada el 5 de Marzo de 2010 y dirigida por Tim Burton. Producida por Walt Disney y protagonizada por Johnny Depp, ganadora de dos premios Oscar.

7. El caballero oscuro (U.S 1.001.900). Estrenada el 14 de Julio de 2008, dirigida por Christopher Nolan, basada en los personajes del Comic Batman, Ganadora de dos premios Oscar, producida por la Warner Bross.

     

8. Harry Potter y la piedra filosofal (U.S 974.700). Aventura y fantasía basada en el libro de J K. Rowling, dirigida por Chris Columbus, estrenada en 2001, la primera de las 7 películas que han salido y la única que ha recaudado esta cifra, producida por Warner Bross.

9. Piratas del Caribe “en el fin del mundo” (U.S 961.000). Dirigida y producida por Gore Verbinski y Jerry Bruckheimer, respectivamente. Está basada en el guión original de Stuart Beattie. Es la tercera entrega de las cuatro películas, protagonizada por Johnny Depp y producida por la Walt Disney, estrenada el 24 de Mayo de 2007.

10. Harry Potter y la orden del feníx (U.S 938.200). Es la quinta película de la saga, dirigida por David Yates y producida por la Warner Bross, estrenada el 13 de Julio de 2007 y siendo la segunda de las 7 películas en recaudar estos fondos

Historia del Cine

 séptimo arte

El cine es sin dudas la más internacional de las artes. Nace oficialmente el 28 de Diciembre de 1893 en París. Su historia se remonta mucho tiempo atrás, cuando en la prehistoria, nuestros ancestros pintaban animales- en espera de buen augurio para la caza- con manos que simulaban atraparlos o con la repetición múltiple de los miembros del mismo, deseando hacer explícita la idea del movimiento. Desde entonces fue una aspiración reflejarse y reflejar el mundo circundante.

Visto desde esta óptica: la plástica, la danza, la música, el teatro y el resto de las manifestaciones artísticas son antecedentes del cine.

Sin embargo, no cabe dudas que es la fotografía su más cercano pariente. ¿Qué es el cine, por qué no pasa de moda?

Cine es el arte de la sucesión de imágenes -hoy día comúnmente audiovisuales- recreadas (proyectadas, transmitidas) en una superficie a partir de una matriz..

Las últimas décadas

A finales de los años 70, y después de unos años de cine espectacular basado en el catastrofismo -quizás como reflejo del retorno del peligro atómico-, se impone la recuperación de la superproducción des del punto de vista de la calidad y de la rentabilidad. Concretamente de la mano de Georges Lucas -autor de "La guerra de las galaxias" (1977)- y de Steven Spielberg, realizador de "Encuentros en la tercera fase" (1977)-. Paralelamente, otros directores apuestan por un cine igualmente comercial pero tratando con un estilo de realización muy personal y creativo, comoFord Coppola,Scorsese, Brian de Palma, Burton, Lynch... Son unos años en los que o se cuestiona todo -como en el caso de los films sobreIndochina- o se retorna al pasado con nostalgia; abundan los remakes y el fantástico.
En los años 80, la aparición e introducción del vídeo, y el aumento de los canales televisivos por vías diferentes, hacen que el público vea más cine que nunca, sin salir de casa. Es preciso buscar de nuevo espectacularidad: películas con muchos efectos especiales prueban de atraer a los espectadores hacia la sala oscura. Actores musculosos se convierten en héroes de la pantalla en títulos violentos cuando no reaccionarios. Frente a este cine consumista aparecen autores más preocupados por los temas políticos y, sobre todo, por la injerencia de los EEUU en otras zonas. También son tiempos de grandes melodramas y de recuperación de la comedia; en ésta última destaca Woody Allen. La globalización de la economía afecta al cine norteamricano que se alía con la indústria electrónica oriental.
En España, la transición política posibilitó el despegue de un nuevo cine sin censura que influyó en la aparición de la llamada "movida madrileña".Pedro Almodóvar enriquece la escena cinematográfica a través de sus films posmodernos y de esperpento, género este último que también trabajó Berlanga. El cine vasco aporta también autores significativos al cine español.
Comenzada la década de los 90, la crisis de ideas se apoderó del cine norteamericano; así que decidió inspirarse en los héroes del cómic, aprovechándose de los nuevos procedimientos para la creación de efectos especiales. También algunas series históricas de televisión serán objeto de versiones para la gran pantalla. Géneros como la comedia clásica, los grandes dramas, los dibujos animados, el fantastic o el western han retornado con fuerza; géneros tradicionales a los cuales se les ha de sumar la sexualidad como ingrediente importante en diversos films y la aparición de un nuevo grupo de actores jóvenes conocidos como la "generación X", además de actores infantiles intérpretes de películas familiares. Por otra parte, la comedia española y el resurgimiento del cine latinoamericano han marcado durante estos años la cinematografía hispanohablante.
Algunos países europeos reaccionan contra la enorme presencia comercial del cine norteamericano, mediante leyes que favorezcan a sus propios mercados. En España, siguen apareciendo nuevos autores, como Julio Medem, Alejandro Almenábar, , Benito Zambrano, Icíar Bollaín, Isabel Coixet...
Fernando León
Llegados a los cien años de cine, el procedimiento basado en la fotoquímica se alía con las nuevas tecnologías electrónicas y de los estudios salen películas donde el ordenador ha tenido mucho que ver en el proceso de obtención o manipulación de las imágenes. Hombres de carne y hueso transformándose en hombres cibernéticos, los grandes saurios paseándose en pleno siglo XX, protagonistas dando la mano a personajes muertos hace décadas... De la mano de la electrónica aparece la realidad virtual: ¿nos convertiremos pronto en espectadores individuales de las películas?

La postguerra

Al terminar la guerra, en una Italia destrozada, aparece el llamado cine "neorrealista", un cine testimonial sobre la realidad del momento, hecho con pocos medios materiales pero con mucha humanidad, preocupado por los problemas del individuo de la calle. "Roma, ciudad abierta" (1944-46), de Rossellini, "Ladrón de bicicletas" (1946), de Vittorio De Sica, o "La terra trema" (1947), de Visconti, suponen una mirada sobre los problemas de subsistencia de los más humildes.
Este tipo de cine creó escuela por todo Occidente e, incluso, los norteamericanos se aficionaron a filmar historias fuera de los estudios, aprovechando los escenarios naturales; el "cine negro" -policíaco- fue uno de los géneros que más rodó en las ciudades.

Los años 50 representan para los norteamericanos una nueva época de bienestar que cambió el estilo de vida, sobre todo en lo que se refiere al ocio. La adquisición de televisores supone un fuerte competidor para el cine. El número de espectadores disminuye y hay que buscar maneras para recuperarlo. La mejor forma será dándole al público lo que la pequeña pantalla no puede: espectacularidad. Es entonces cuando lapantalla crece, se proyecta en color y el sonido se convierte en estéreo.

La época sonora.

El 6 de octubre de 1927 sucede un hecho revolucionario para la historia del cine: ¡comenzaba a hablar! "El cantor de jazz", de Alan Crosland, dejaba escuchar al actor Al Jolson cantando. Se iniciaba una nueva era para la industria del cine. También para los actores: muchos de ellos desaparecieron como tales al conocer el público su verdadera voz, desagradable o ridícula, que no correspondía a la apariencia física. ¡Desaparecían los intertítulos!
Los estudios tuvieron que replanteárselo a pesar de que hicieron importantes inversiones para reconvertirse en sonoros. También los técnicos y los cineastas cambiaron de forma de hacer y de pensar. Y los actores y actrices tuvieron que aprender a vocalizar correctamente. En el Estado Español, los primeros estudios sonoros, los Orphea, fueron inaugurados en Barcelona en 1932.
La implantación del sonoro coincidió con el crack económico de 1929 que ocasionó una Gran Depresión en los EEUU. Miles de ciudadanos encontraban en el cine momentos para huir de los problemas cotidianos. Hollywood se dedicó a producir títulos basados en los géneros fantástico, la comedia, el musical o el cine negro, con el fin de exhibir productos escapistas.
Es el momento de directores como Lubitsch -autor de "Ser o no ser" (1942)-; -maestro de la comedia americana, con títulos como "Sucedió una noche" (1934) o "Vive como quieras" (1938); Hawks -director de Scarface (1932)-; Cukor, autor de "Historias de Filadelfia" (1940)-; John Ford -conocido sobre todo por sus "westerns" épicos, como "La diligencia" (1939); o Josef von Sternberg -cineasta alemán que dirigió "El ángel blau" (1930)-. Este cine de entretenimiento general tiene la excepción con el hecho por King Vidor, cineasta sensible a los problemas de las capas populares, como lo reflejó en "El pan nuestro de cada día" ( 1934). "En Alemania es G.W.Pabst quien cultiva un cine social.

Capra
Este compromiso estético con los menos favorecidos fue más fuerte en Europa. En Francia, coincidiendo con el Frente Popular, Jean Renoirmostraba la vida cotidiana y laboral de los trabajadores, incluso utilizando de auténticos como protagonistas de algunos de sus films, como en "La regla del juego" (1939), título que, además de su carga de naturalismo, supuso nuevas aportaciones estéticas. Otros cineastas encuadrados en lo que se llama "realismo poético" fueron Jacques Feyder, Jean Vigo, Marcel Carné; y René Clair.
Muchas de las nuevas estrellas de cine proceden del teatro o del musical. Nombres como Marlene Dietrich, Greta Garbo, Claudette Colbert, Olivia de Havilland, Gary Cooper, Clark Gable, Errol Flynn, Jean Gabin, Edward Robinson o Humphrey Bogart se han convertido en mitos del cine.
El cine en color llega en 1935 con la película "La feria de las vanidades", de Rouben Mamoulian, aunque artísticamente su plenitud se consigue en el film de Victor Fleming, "Lo que el viento se llevó" ( 1939).
El cine de animación se fue implantando entre los gustos del público, especialmente entre los más pequeños. Walt Disney es el creador americano predilecto incluso más allá del propio país.
Los trucajes es una de las especialidades más estimadas por el público. La ubicación de castillos en paisajes donde no han existido, a partir de cristales pintados, o la recreación de un gorila gigante a partir de un simio pequeño o de maquetas, son muestras de la magia del cine, a la cual acaban de dar el toque la decoración, el maquillaje o el vestuario.
Frente a directores con planteamientos principalmente comerciales, hacen aparición otros con nuevas inquietudes estéticas. Es el caso de Von Stroheim, Hitchcock o Orson Welles; éste último realizó las obras maestras "Ciudadano Kane" (1941) y "El cuarto mandamiento" (1942).
Mientras tanto en Europa las cinematografías de los países con gobiernos totalitarios se orientan hacia un cine políticamente propagandístico, con frecuencia fallido artísticamente en el caso de los fascismos.
Respecto al Estado soviético, sigue siendo una excepción el cine deS.M.Eisenstein, como lo demuestran los films "Alexander Nevsky" (1938) e "Iván el Terrible" (1945).
Cuando la Segunda Guerra Mundial estalla, el cine se basa en la propaganda nacionalista, el documental de guerra o el producto escapista.

Los maestros del periódo mudo.

David Wark Griffith fue el gran fijador del lenguaje cinematográfico. Sus innovaciones en la manera de narrar una película revolucionaron el séptimo arte: En sus obras maestras "El nacimiento de una nación" (1914) e "Intolerancia" (1915), dividía el film en secuencias, mostraba acciones en paralelo, cambiaba el emplazamiento y el ángulo de la cámara, variaba los planos, usaba el flash-back o narración de un hecho ya pasado. Pero, sobre todo, Griffith asumió que el montaje era el instrumento expresivo más importante con que contaba el cine; que no servía sólo para ordenar secuencias y planos, sino también para emocionar al espectador.
Griffith llegó a influir a jóvenes cineastas de una geografía tan alejada de los EEUU, como es Rusia. El triunfo de la revolución rusa en 1917 hizo pensar a sus dirigentes que el cine podía asumir un papel de adoctrinamiento y propagandístico. Así que encargó a unos cuantos directores el hecho de crear una nueva cinematografía en el país. Entre estos nuevos cineastas destacaron Dziga Vertov -creador del kino-glaz (cine-ojo)-, Serguei M.Eisenstein -quien sorprendió al mundo con la fuerza de las imágenes y la magistral utilización del montaje en su película "El acorazado Potemkin" (1925)-, V.Pudovkin, autor de "La madre" (1926), yA.Dovjenko, director de "La tierra" (1930). Se trata de productos de vanguardia y de experimentación formal.
En estas primeras décadas de cine aparecen más directores que se dan cuenta de que este nuevo medio de comunicación de masas también puede servir como medio de expresión de lo más íntimo del ser humano: sus anhelos, angustias o fantasías. Y además expresándolo con una estética innovadora, de "vanguardia". En Alemania, los estilos "expresionista" y kammerspiel sorprenden por sus productos ambientados en escenarios irreales o futuristas. "El gabinete del Dr.Caligari" (1919), de Robert Wiene, "Nosferatu" (1922), de F.W.Murnau, "Metrópolis" (1926), de Fritz Lang, o "M, el vampiro de Düsseldorf" (1931), también de Lang, son los títulos más representativos. Este cine aparecido después de la derrota de los alemanes en la Guerra Europea y el establecimiento de la humillante Paz de Versalles, refleja sus angustias y contradicciones. El país vive bajo la inestabilidad de la República de Weimar y de una gran crisis económica, situación de la cual se aprovecharán los nazis. El trabajo de la iluminación -llena de contrastes entre el claro-obscuro, la luz y la sombra- serán uno de los aspectos plásticos más innovadores.
Al contrario de los alemanes, los cineastas nórdicos huyen de los interiores angustiosos y hacen de los exteriores, del paisaje, el escenario natural para sus dramas. Destacaron gente como Sjöström, Stiller oDreyer; éste último dirigió la obra maestra "La pasión de Juana de Arco" (1928). En el caso de Francia, Louis Delluc fue el principal promotor del impresionismo cinematográfico galo, corriente de vanguardia en la cual contribuyeron L'Herbier,Dulac y Epstein; éste último dirigió "La caída de la casa Usher" (1927). Al margen de este movimiento destacan también Abel Gance, autor de "Napoleón" (1927), film donde la técnica de proyección se anticipó al Cinerama- y Jacques Feyder, director de "La Atlántida" (1921).
Por su parte, el estilo "surrealista" busca expresar el subconsciente de manera poética. A este cine vanguardista contribuyeron dos españoles importantes:Luis Buñuel y el pintor Salvador Dalí.

el cineasta
El cine americano apuesta más por el beneficio material que por la estética o la poesía visual. Una pequeña ciudad del Oeste americano, Hollywood, se había convertido en poco tiempo el centro industrial cinematográfico más próspero de los EE.UU. Grandes empresas se reunieron levantando sus estudios donde, además de filmarse las películas, se "construyen" las estrellas para interpretarlas. Un hábil sistema de publicidad crea una atmósfera de leyenda alrededor de los ídolos del público; los actores y las actrices se convierten en mitos. Es el caso de Lilian Gish, Gloria Swanson, John Barrymore, Lon Chaney, John Gilbert, Douglas Fairbanks, Mary Pickford, Mae West o Rodolfo Valentino.

El nacimiento del cine.

Con todo, se considera que el cine nació oficialmente el 28 de diciembre de 1895. Aquel día, los hermanos Lumière mostraron, en sesión pública, sus films a los espectadores del Salon Indien de París. En uno de sus primeros films, "La llegada de un tren a la estación de Ciotat", el efecto de una locomotora que parecía salir de la pantalla fue enorme. El aparato con el cual lo consiguieron lo llamaron Cinematógrafo. Había nacido la cinematografía. Pero el éxito inicial se fue apagando por el cansancio del público.
Las películas que siempre veían eran hechas sobre momentos cotidianos, sobre la vida laboral o familiar. Y fue la magia y la imaginación de otro hombre, Georges Méliès, que salvó el cine de acabar como un invento más entre tantos de aquella época. Méliès hizo realidad los sueños de las personas, al mostrarlos en las imágenes que se representan en una pantalla. Por fin, la fantasía podía volar a través de la luz. Méliès es el primer inventor de ficciones. Es más, de la ciencia-ficción. "Viaje a la Luna" (1902) y "Viaje a través de lo imposible" (1904) se encuentran entre las mejores muestras del inventor de los trucajes. Uno de los más habituales era hacer desaparecer cosas o hacerlas aparecer de nuevo. Otros eran la sobreimpresión de una imagen sobre otra, las dobles exposiciones o el uso de maquetas.
A principios del siglo XX, el cine ya es una industria. Ha pasado de ser un invento para divertir a ser una máquina de hacer dinero. El cine se extiende por el mundo. En Catalunya, Fructuós Gelabert se convierte en el padre de la cinematografía catalana y española (1897). Segundo de Chomón sigue los pasos de Méliès en su film "El hotel eléctrico" (1905), donde los trucajes son de los mejores de la época. Como las películas eran mudas, unos rótulos en medio de las escenas iban explicando la acción o los diálogos. Y, a veces, un pianista daba el toque musical al espectáculo. Las barracas de los inicios del cine se convirtieron en salas elegantes y espaciosas donde comenzaban a acudir las clases bien estantes y no sólo las populares.
Con el fin de llenar de films estas salas estables, se comenzaron a realizar películas más cultas para este público burgués. En Francia el proyecto se conocía como Films d'Art, títulos basados en obras literarias donde actuaban actores famosos del teatro. Tal como Edison en los EEUU,Charles Pathé marca en Francia el inicio de la industrialización del cine. Los films producidos por él alcanzaron un buen nivel de calidad gracias a la dirección de Ferdinand de Zecca, a quien se debe "La Passió" (1902) o "El asesinato del duque de Guisa" (1904).
En la casa Pathé debutó uno de los primeros grandes cómicos, Max Linder, que inspiró a Chaplin. A Pathé le aparece un rival igualmente francés, Léon Gaumont, que contrata al director Louis Feuillade, que se especializa en el género de terror. Siguiendo las huellas galas, en Inglaterra aparece la llamada Escuela de Brighton, formada por los fotógrafos Smith, Williamson y Collins, que se interesan por los temas de persecuciones y bélicos donde proporcionan nuevos recursos técnicos fundamentales para la gramática cinematográfica.
Pero serán los EE.UU. quien saque más provecho del invento. En 1903, con la cinta "Asalto y robo de un tren", Edwin Porter inaugura el cine del Oeste -continuado después por T.H.Ince- y utiliza el montaje simultáneo. Los espectadores comienzan a aprender un nuevo lenguaje, el cinematográfico: aprenden a relacionar las imágenes entendiendo que guardan una relación de continuidad. Y la base de este nuevo lenguaje es el montaje.
Viendo que se convierte en un gran espectáculo popular, que supera las barreras sociales y idiomáticas -en un país de inmigración formado por multitud de lenguas y etnias-, el factor negocio entra en acción. Con el fin de monopolizar el mercado cinematográfico y acabar con sus competidores, Edison envía a sus abogados contra los explotadores de aparatos cinematográficos. Se trata de la guerra de las patentes (1897-1906) que, después de una época de procesos, clausuras de salas, confiscación de aparatos y momentos de violencia, da la victoria a Edison. Ello afectó negativamente a los productores independientes, los cuales, para huir del inventor-negociante, marchan al otro lado del país, a California, donde fundan Hollywood. Aquí levantarán las grandes productoras que harán la historia del cine norteamericano.

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